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Cine y Marihuana: Cinco Películas Para Fumar

✍ 9 February, 2024 - 09:20

Que digan lo que quieran: el cine y la marihuana son amigos íntimos. A la hora de ver películas, el cannabis ayuda a disfrutar, a reparar en detalles y a meterse de lleno en la trama de forma tal que pocas veces pueden lograrse de otra manera. Y hay ciertas películas en las que la experiencia se vuelve casi obligatoria.

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No son películas sobre cannabis: para eso ya hay innumerables listados. Son películas de todos los tiempos que ya sea por su narrativa, sus climas, sus temáticas o sus recursos visuales y sonoros son especialmente disfrutables con un porro en la mano. Películas que tienen la textura confusa, extrañada y divertida del estar fumado. Aquí, una lista absolutamente caprichosa de mis recomendaciones personales.

Mind Game (Masaaki Yuasa)

Tal vez sea por definición la película animada más trippy que se haya hecho. Este film animé de 2004 fue considerado en su lanzamiento “la película que utiliza todas las técnicas de animación existentes”, pero su interés (y su magia) no se resume simplemente al derroche espectacular de recursos en su manufactura.

Mind Game es profunda, filosófica y surrealista pero muy anclada en emociones humanas muy fácilmente reconocibles. En la película, un protagonista cobarde y apagado, aspirante a mangaka (historietista), tiene la oportunidad de demostrar heroísmo por primera vez en su vida delante de su amor de colegio: a partir de ese momento, el tiempo se tuerce y la realidad se desdoblará como un confuso caos de presente, pasado, deseo, imaginación, realidad y metáfora. Precisamente, hace lo que su título anuncia: el film juega con tu mente pero con total honestidad ¿Alguien puede asegurar que los vericuetos de la mente humana tienen todos el mismo color y textura? ¿Y que la realidad es el único plano en el que se desenvuelve la existencia? Mind Game es un viaje digno de emprender, sí o sí con unas buenas flores en mano.

Being John Malkovich (Spike Jonze)

Debut cinematográfico tanto de Jonze como de Charlie Kaufman (el guionista estrella de películas flasheras dentro de Hollywood), Being John Malkovich ya es lo suficientemente famosa como película imprescindible para ver colocadx, y bien ganada tiene esa fama.

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Divertidísima, surrealista e hilarante a más no poder, la película es una suerte de Alicia en el País de las Maravillas adulta y pop, en donde el agujero del conejo conduce nada menos que a la mente del actor John Malkovich (sí, haciendo de sí mismo). El protagonista es John Cusak en la piel de un frustrado titiritero, que claramente encuentra en este descubrimento un contrapunto para su chata existencia mientras se mete en problemas varios y se debate entre su excéntrica esposa Lotte (Cameron Díaz) y Maxine, una compañera de trabajo misteriosa y fuerte. Pero este descubrimiento pronto se le irá de las manos y entrarán en escena muchos conflictos de intereses sobre tan preciado túnel.

Una de las pocas películas que tienen el visto bueno unánime del mainstream, del indie y de los fumones. Un clásico de fin del milenio pasado absolutamente obligatorio.

The Thief and the Cobbler (Richard Williams)

Tal vez su guión no sea ni la mitad de interesante que su display visual y la historia detrás de su producción. El autor, luego reconocido como director de animación de Roger Rabbit, encaró su producción en 1964 con el objetivo de que sea su obra maestra, una pieza animada infantil de una calidad y estilo nunca antes vistos. The Thief and the Cobbler es la película animada que más tiempo tardó en en ver la luz en toda la historia del cine, durando su producción nada menos que 31 años.

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Las dificultades con el financiamiento dilataron el estreno por tres décadas, y en 1990 cuando habían firmado contrato con Warner Bros y el éxito de Roger Rabbit iba a apuntalar la popularidad del film por estrenar, el trato se rompió porque Williams no pudo terminarla y Disney lanzó Aladdin, con muchas ¿similitudes? en su trama, estética y sobre todo diseño de personajes. El proyecto acabó en manos de otro productor que reeditó y sumó escenas a piacere para volver al film más comercial, echando por la borda todas las ambiciones y sueños de Williams a través de 30 años.

Sin embargo, el corte del director, con storyboards en las partes inconclusas y todo el despliegue preciosista original comenzó a circular en circuitos de culto, y varios proyectos de restauración se iniciaron, reconociendo el valor incalculable del filme dentro de la historia de los dibujos animados y como testimonio clave para los animadores modernos. Y esa es la versión que hay que ver.

Una sencilla historia ambientada en algún imperio medioriental en donde los poderosos son corruptos y los humildes los héroes es soporte para una explosión de color, escenarios escherianos, espíritu expresionista y psicodelia pura y dura. La animación completamente artesanal y de técnicas revolucionarias aún hoy, genera una ilusión de movimiento detallista y fluida casi lisérgica. The Thief and the Cobbler es un acto de amor, una obra maestra de la animación y una pieza definitivamente de culto. Ah, e incluye la última participación en cine de Vincent Price antes de morir.

Hausu (Nobuhiko Obayashi)

Se pueden decir infinidad de cosas de Hausu. La más certera es que es totalmente indescriptible. Es un film de horror absurdo japonés en donde un grupo de seis amigas adolescentes con uniforme colegial visitan a la tía de una de ellas para encontrarse con que la casa está embrujada. Y considerando que los primeros 20 minutos no preparan de ninguna manera para lo que viene después, cualquier información de más sería considerada spoiler.

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No es para cualquiera: es para fumonxs que gustan de lo bizarro, lo desconcertante, de los estímulos visuales, para aquellxs que gustan de mirar cine como experiencia antropológica, como ventana hacia lo desconocido, hacia otras narrativas y otras convenciones de género. No tiene sentido verla si no es con espíritu aventurero y mucha curiosidad. Porque psicodélica hasta el hartazgo, Hausu es una absoluta curiosidad.

Hausu es ridícula, es graciosa, es sangrienta, es cursi, es colorida y tienen unos efectos visuales que adelantaron la estética Tumblr allá por 1977. Hay momentos dignos de Cris Morena (Chiquititas, Rebelde Way), niñas decapitadas y gatos que tiran rayos por los ojos. Imposible conseguir una película más rara.

Wild at Heart (David Lynch)

Uno de los filmes más lineales de David Lynch (lo que de ninguna manera significa convencional) y definitivamente el más romántico, esta road movie bizarra y apasionada de 1990 es no solamente una gran película para ver colocadxs sino especialmente para ver colocadxs y en pareja.

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Plagada de paralelismos con El Mago de Oz, la película cuenta las peripecias de Sailor (Nicolas Cage) y Lula (Laura Dern), una enamoradísima pareja que se reencuentra y se dispone a escapar juntos luego de que Sailor saliera de la cárcel. Pero la madre de Lula, enemistada con Sailor por siniestras razones que se irán revelando a lo largo de la película, hará todo lo posible por evitarlo poniéndoles descabelladas y sombrías situaciones en el camino.

Con una de las parejas centrales más memorables de la historia del cine, Wild at Heart es romántica, sexy, muy lisérgica y por supuesto también oscura. Tiene a Willem Dafoe en tal vez su mejor papel de villano, que no es poco decir. Hay canciones de Elvis, baladas ochentosas, hadas, brujas, colores estridentes y todo está teñido de una exageración exuberante y hedonista. Ligeramente bastardeada dentro del catálogo del ya de por sí polémico director, es una de sus películas más divertidas, cálidas y humanas.